JACQUES VILLON, prima e dopo il Cubismo

Questo gruppo piuttosto variegato di artisti, chiamati anche cubisti eretici, proponeva una pittura che scomponeva ugualmente la forma visibile, ma era vitale e dinamica, non rinunciava al colore e trovava i suoi presupposti nello studio delle proporzioni, della geometria, della prospettiva e della sezione aurea (in francese detta appunto Section d’Or), con il riferimento obbligato al Trattato della Pittura di Leonardo da Vinci (tradotto e pubblicato proprio in quegli anni da Sâr Peladan) e al De Divina Proporzione di Luca Pacioli. Il loro approccio all’arte era ancora più intellettuale e colto di quello di Picasso e di Braque, ma come loro privilegiavano la pittura: sono pochi infatti gli artisti che negli anni più significativi del Cubismo eseguirono delle incisioni. Lo stesso Picasso, uno degli incisori più prolifici del XX secolo, negli anni tra il 1908 e il 1915 eseguì solo poco più di una quindicina di puntesecche ed acqueforti. Paolo Bellini nella sua Storia dell’incisione moderna, cerca di darci una spiegazione di questo fenomeno:

(…) non si deve dimenticare che il credito di cui godettero all’inizio i Cubisti era scarso, tanto da non indurre alcuno di loro ad iniziare la produzione di opere d’arte in un certo numero di esemplari (come avviene appunto nell’incisione) senza poi avere alcuna probabilità di vendere tali esemplari. Il medesimo fenomeno d’altronde si era verificato anche con gli Impressionisti, (…) la maggior parte dei quali cominciò seriamente ad incidere solo quando raggiunse una discreta notorietà.

Jacques Villon fu invece uno dei pochi in quegli anni a tradurre con le tecniche incisorie le istanze cubiste; quando poi nel 1914 il gruppo della Section d’Or si scioglierà ed ognuno proseguirà la sua ricerca in modo autonomo, Villon continuerà la sua personale ricerca mantenendole come mezzo espressivo privilegiato. Oggi possiamo tranquillamente riconoscere che è stato il più significativo incisore cubista. Ecco alcune delle sue puntesecche del 1911/1913, che sono state stampate in tirature molto basse e che oggi hanno un costo piuttosto elevato.

Dopo la guerra la situazione economica di Villon diventa più traballante: nel 1921 deciderà quindi di accettare un insolito incarico che lo vedrà impegnato fino al 1934: la prestigiosa Galleria Bernheim-Jeune di Parigi, famosa per aver ospitato dalla sua fondazione nel 1863 tutta l’arte controcorrente (dalla scuola di Barbizon agli Impressionisti, i Post-impressionisti e le Avanguardie, nonché nel 1901 la prima grande retrospettiva di Vincent van Gogh e nel 1912 la prima mostra dei Futuristi), gli chiede di riprodurre/interpretare con l’acquatinta alcuni dipinti dei più famosi artisti esposti nella galleria nella sua lunga storia commerciale. La tecnica dell’acquatinta a colori, che aveva abbandonato dal 1912 ma nella quale era considerato un maestro, gli torna dunque utile in un periodo di ristrettezze economiche. Si tratta di traduzione, certo, ma il processo è quasi un dialogo/riflessione sulle opere di questi grandi artisti. Realizzerà in tutto 45 lastre, che dal punto di vista tecnico sono dei capolavori. Queste sono solo quelle che sono riuscita a trovare in rete, disposte secondo l’ordine alfabetico degli autori dell’originale: Bonnard, Braque, Cézanne, Derain, M.Duchamp, Dufy, Gromaire, Laurencin, Légér, Luce, Manet, Marquet, Matisse, Metzinger, Modigliani, Picasso, Renoir, Rousseau il Doganiere, Signac, Utrillo, Vallotton, Van Dongen, Van Gogh, Vlaminck.

Piccola nota per i collezionisti: ogni lastra dell’edizione Bernheim-Jeune è stata tirata in 200 copie, ognuna firmata da Villon e talvolta anche dall’autore dell’opera originale. Sul mercato questi fogli hanno un grande valore, spesso superiore ai 1000/2000 euro, anche in base alla fama e alla riconoscibilità dell’opera riprodotta. Le lastre originali sono arrivate successivamente alla Chalcographie du Louvre, che le conserva tutt’ora e che ha provveduto a ristamparle: non sono riuscita a scoprire quando, quali e in che numero di copie. Sono però ben riconoscibili rispetto a quelle della tiratura originale perché non sono numerate né firmate; in basso compare la scritta incisa in lastra CHALCOGRAPHIE DU LOUVRE – JACQUES VILLON SCULPSIT. Ovviamente il loro valore di mercato è molto, molto più basso.

Negli anni in cui fu impegnato in questa impresa di traduzione/interpretazione Villon non incise molto di suo, giusto una ventina di lastre; dal 1930 tornò a sentirsi finalmente libero di esprimersi. Le acqueforti e punte secche di questi anni risentono ancora in sottofondo delle istanze cubiste; la forma è semplificata ma più leggibile, dissolta in un sistema sottile di linee parallele, in una trama elegante di variazioni tonali. Non furono però particolarmente capite e apprezzate dal pubblico e oggi sono quelle fra le sue meno quotate.

La vicenda artistica di Villon sembra l’esatto opposto di quella del fratello Marcel: il primo, riflessivo e solitario, disegna, incide, dipinge per tutta la vita senza però trovarsi quasi mai sotto i riflettori della notorietà conclamata e pur essendo apprezzato da un pubblico di nicchia è citato oggi solo marginalmente nei libri di storia dell’arte; il secondo invece, un fuoco d’artificio e una mente vulcanica, spinge l’arte su strade allora inimmaginabili ma quando è all’apice del successo, già dagli anni ’20, si ritira dedicandosi quasi esclusivamente alla sua grande passione, gli scacchi; oggi però è considerato il padre dell’arte concettuale e sulle sue opere (circoscritte ad una quindicina d’anni) sono stati scritti fiumi di parole. Poco si sa invece su quali siano stati i rapporti fra i due fratelli Duchamp dopo il 1912, anno in cui le loro strade artistiche prendono direzioni diverse. Di certo non condividevano più le medesime posizione teoriche, ma sembra che questo non abbia mai intaccato i loro rapporti familiari e di stima. Marcel è in porcellana quello che io sono in maiolica, diceva Villon, parlando di suo fratello minore, anche se forse non lo comprendeva completamente. E Marcel sembra che abbia sempre sostenuto il fratello maggiore nei circoli dei collezionisti americani, sui quali aveva grande influenza: infatti i più bei quadri di Villon sono negli Stati Uniti. 

Quello che invece è sicuro è il legame molto forte di Villon nei confronti del fratello Raymond, morto durante la Prima Guerra Mondiale. E’ stato il custode delle sue opere per tutta la vita. Si racconta che durante l’occupazione tedesca della Francia, prima di lasciare l’atelier di Puteaux, abbia sotterrato nel giardino della casa tutte le sculture di Raymond, per proteggerle da razzie e vandalismi. La casa-atelier di Villon oggi non c’è più: è stata abbattuta per far posto al nuovo quartiere de La Defense; per caso o per deferenza – non so – le autorità locali hanno aspettato giusto giusto la sua morte nel 1963. Peccato che un luogo così ricco di memoria – che oggi potrebbe essere un luogo di pellegrinaggio come la casa di Monet a Giverny – non abbia avuto una  sorte migliore.